지휘자

작곡가

피아노

모리스 라벨

7 марта 1875 г. - 시부르(프랑스) — 28 декабря 1937 г. - 파리(프랑스)

소개

62년의 생애 동안 프랑스 작곡가 모리스 라벨은 승리와 비극을 목도했다. 전화와 페니실린의 발견 같은 경이로운 혁신이 세상을 뒤바꾸는 동안, 인류는 스스로를 파괴할 태세를 갖춘 듯 보였다. 라벨은 드레퓌스 사건 당시 성장기를 보냈고, 제1차 세계대전의 참화를 견뎌냈으며, 무솔리니, 히틀러, 스탈린의 부상을 속수무책으로 지켜보았다.

이러한 격변과 함께 음악계에서도 혁명이 일어났다. 라벨이 처음 피아노 레슨을 받던 1882년, 리하르트 바그너는 마지막 오페라 파르지팔을 초연했다. 젊은 시절 라벨은 클로드 드뷔시의 펠레아스와 멜리장드 초연 공연 전 14회를 모두 관람했고, 10년 뒤에는 이고르 스트라빈스키의 폭발적인 발레 봄의 제전을 목격했다. 라벨 역시 조용히 자신만의 음악 혁명을 일으켰다. 거울과 밤의 가스파르 같은 피아노 작품의 급진적인 화성과 눈부신 기교는 그를 급진주의 작곡가로 굳건히 자리매김시켰다. 경력 말기에 이르러 그는 재즈가 스며든 피아노 협주곡 G장조, 발레 다프니스와 클로에, 그리고 지금까지 작곡된 작품 중 가장 널리 알려진 곡 가운데 하나인 거부할 수 없는 볼레로 등 오랫동안 사랑받는 많은 작품을 남겼다. 광란의 1920년대에 그는 미국 순회공연을 하며 조지 거슈윈의 초대로 할렘의 재즈 공연을 찾았다. 라벨은 한 미국 기자에게 이렇게 말했다. “세계는 전에 없이 변화하고 스스로 모순되고 있다. 이 모든 것을 겪으며 살고, 작곡가가 되는 행운을 누린다는 것이 행복하다.”

초기 생애와 교육

초기 생애와 가족 배경

조제프 모리스 라벨은 1875년 3월 프랑스 남서부의 어촌 마을 시부르에서 태어났다. 얼마 지나지 않아 스위스 출신의 토목 기사이자 발명가인 아버지와 바스크-스페인계 어머니는 가족을 파리로 옮겼다. 모리스는 양친의 격려 속에서 빠르게 음악에 빠져들었다. 아버지 역시 재능 있는 젊은 음악가였고, 어머니는 그에게 바스크와 스페인 민요를 불러주었다. 일곱 살 때 라벨은 에마뉘엘 샤브리에의 친구 앙리 기스에게 첫 피아노 레슨을 받았다. 5년 뒤에는 레오 들리브의 제자 샤를 르네에게 화성법, 대위법, 작곡을 배우기 시작했다.

교육과 아파슈 협회

14세에 그는 프랑스 최고의 음악 학교인 파리 음악원에 입학했다. 그곳에서 그는 가장 중요한 협력자 가운데 한 명인 피아니스트 리카르도 비녜스를 만나 친구가 되었다. 다른 동급생으로는 조르주 에네스쿠와 레날도 안이 있었다. 음악원에서 그의 피아노 교사는 쇼팽의 마지막 제자 가운데 한 명인 에밀 데콩브와 샤를 빌프리드 드 베리오였다. 재능 있는 연주자였지만 라벨은 고급 피아노 과정으로 진급하지 못했고, 대신 작곡에 집중했다. 이후 그는 앙드레 제달주와 가브리엘 포레에게 배웠다. 제달주는 학생들에게 이렇게 말했다. “선율 주위에 어떤 소스를 곁들이느냐는 취향의 문제다. 중요한 것은 선율선이며, 이것은 변하지 않는다.” 라벨의 음악은 화성과 선율의 경계를 흐릴 때조차 경력 내내 이 근본 원칙을 반영했다. 훗날 그는 몇 안 되는 제자 중 한 명인 랠프 본 윌리엄스에게 모든 생명력 있는 음악에는 “암시된 선율적 윤곽이 있다”고 말했다.

음악원 시절은 좌절과 스캔들로 점철되었지만 예술적 발견의 시간이기도 했다. 라벨의 초기 피아노 작품 중 하나인 그로테스크한 세레나데 [1:24:07]에 대해 한 교사는 “이 모든 것은 매우 이례적인 인상을 만들어낸다. 생각을 자제하고 자유를 덜 누려야 한다”고 말했다. 그러나 그는 “언젠가는 우리에게 새로운 양식을 보여줄지도 모른다”고 덧붙였다. 이 말은 예언처럼 들어맞았다.

교수진에 대한 불만 속에서 라벨과 비녜스는 “아파슈”라는 전위 예술가 집단을 결성했다. 스스로를 “예술적 아웃사이더”라고 칭한 이 젊은 이단아들은 민요, 어린이를 위한 음악(훗날 어미 거위 [1:00:32]와 어린이와 마법 같은 작품으로 나타났다), 아시아 예술, 러시아 음악에 대한 열정으로 결속되어 있었다. 파리 만국박람회가 열렸을 때 라벨은 니콜라이 림스키코르사코프가 지휘한 러시아 작품 연주와 자바의 가믈란 앙상블 공연에 깊은 인상을 받았다. 무엇보다 이 그룹은 우상 파괴적인 클로드 드뷔시를 숭배했다. 당시 프랑스 모더니즘의 가장 중요한 음악적 대표자였던 드뷔시는 목신의 오후에의 전주곡과 오페라 펠레아스와 멜리장드 같은 작품으로 센세이션을 일으켰다. 라벨은 펠레아스의 초연 공연을 모두 관람했다.

첫 걸작들과 로마 대상

훗날 그가 현악 사중주와 물의 유희를 헌정한 포레는 특히 큰 영향을 미쳤다. 라벨의 첫 번째 “히트작” 중 하나인 죽은 왕녀를 위한 파반느 [1:15:41]는 이러한 수학 과정에서 탄생했다. 라벨은 파리 예술가들을 위한 인기 살롱을 열었던 싱어 재봉틀 재산의 상속녀 위나레타 싱어를 위해 이 곡을 작곡했다. 그는 제목이 “스페인 궁정에서 어린 공주가 추었을 법한 파반느”를 떠올리게 한다고 말했다.

새 세기가 밝아오자 라벨은 음악원에서 퇴학당했다. 그는 포레에게 계속 배웠으며, 곧 물의 유희 가 뒤를 이었다. 솟구치는 아르페지오와 쏟아져 내리는 글리산도로 가득한 이 악보는 소리로 불러낸 물의 분수를 묘사한다. 물의 유희는 젊은 작곡가에게 예술적 돌파구를 알리는 작품이었다. 1928년 에세이에서 라벨 자신은 물의 유희가 “내 작품에서 지적되어 온 모든 피아노적 혁신의 출발점에 있다”고 회고했다.

20대가 된 라벨은 로마 대상을 받기 위한 수년간의 도전에 나섰다. 이 권위 있는 상에는 로마 유학을 위한 장학금이 포함되어 있었으며, 과거 수상자로는 베를리오즈, 샤를 구노, 조르주 비제, 드뷔시가 있었다. 수상 유력 후보였음에도 라벨은 다섯 번 연속으로 탈락했다. 마지막 낙선 후, 심사위원 중 한 명의 제자들만 결선에 진출했다는 사실이 드러나면서 전국적인 스캔들이 일어났다. “라벨 사건”은 음악원 원장의 조기 사임과 포레의 후임 임명으로 이어졌다.

로마 대상 사건 이후 라벨은 긴 휴가를 떠났다. 그는 집으로 보낸 편지에 이렇게 썼다. “이 모든 시간 동안 나는 두 마디도 작곡하지 않았지만, 수많은 인상을 축적하고 있었고, 이번 겨울은 아주 생산적일 것이라 기대한다. 살아 있다는 것이 이토록 행복했던 적은 없으며, 기쁨이 고통보다 훨씬 더 비옥하다고 굳게 믿는다.” 이 말은 그가 예고한 창작의 풍요로움과, 그의 가장 결실 많은 10년을 끝낸 제1차 세계대전 모두에 대해 예지적이었다.

전환점: 대전쟁

전쟁 중의 라벨

라벨은 1914년 여름의 상당 부분을 시부르에 인접한 해변 휴양 도시에서 보냈다. 그곳에서 그는 프랑스가 독일에 선전포고했음을 알리는 무시무시한 종소리를 들었다. 전쟁이 전개되는 동안 라벨은 우울과 결의를 오갔으며, 피아노 삼중주곡을 “광인의 명료함으로” 작업하고 있다고 썼다. 키 5피트 3인치에 군의 공식 체중 기준보다 몇 파운드나 미달할 만큼 작고 허약했으며 거의 마흔 살이었던 그는, 여러 차례 거절당한 끝에 서부 전선의 운전병으로 입대하는 데 성공했다.

전쟁 중 그는 전사한 친구들에게 바친 피아노를 위한 바로크 무곡 모음곡 쿠프랭의 무덤을 작곡했다. 성찰적인 음악이지만 과도한 감상주의는 피한다. 라벨은 지나치게 어두운 화성과 피아노의 가장 낮은 옥타브를 대체로 피함으로써 이를 이루었으며, 후자는 음악의 가벼움을 강화한다. 모음곡의 분위기에 대한 비판에 라벨은 “죽은 이들은 영원한 침묵 속에서 이미 충분히 슬프다”고 답했다.

1920년대: 몽포르라모리의 라벨

라벨은 전쟁에서 완전히 회복하지 못했다. 휴전 기념일에 그는 감염 치료를 위한 폐 수술을 받았고, 불면증은 남은 평생 그를 괴롭혔다. 파리의 번잡함을 피하기 위해 라벨은 샴고양이들과 함께 교외의 몽포르라모리로 물러나, 작곡과 지휘를 계속했지만 속도는 더뎠다. 그는 독주 피아노를 위한 작품을 더 이상 완성하지 않았으나, 이 시기에는 뛰어난 관현악 작품들이 탄생했다. 1920년대 말까지 그는 가장 유명한 작품인 볼레로를 완성했고, 두 피아노 협주곡도 곧 뒤따랐다. 그의 국제 순회공연은 특히 미국에서 열광적인 환영을 받았다.

말년과 마지막 작품들

1932년 택시 사고로 머리를 다친 것은 이미 서서히 진행되던 인지 기능 저하를 가속했다. 사고 이후 그는 몇 작품만 작곡했으며, 대부분 기존 작품의 관현악 편곡이었다. 글을 쓸 수 없게 되어 그는 돈키호테를 바탕으로 한 영화의 음악 작업에서 해고되었고, 여기서 세 곡으로 이루어진 둘시네아에게 바치는 돈키호테가 탄생했다. 스트라빈스키는 “그의 마지막 몇 해는 잔혹했다. 기억력과 일부 조정 능력을 점차 잃어가고 있었으며, 그는 … 그 사실을 아주 잘 알고 있었다”고 회고했다. 실패한 뇌 수술로 라벨은 혼수상태에 빠졌고, 1937년 크리스마스 사흘 뒤 세상을 떠났다.

라벨의 음악: 다면적인 천재성에 대한 성찰

흔히 스트라빈스키의 말로 전해지는 격언 “평범한 예술가는 빌리고, 위대한 예술가는 훔친다”는 라벨에게 잘 어울린다. 그는 젊은 나이부터 자신의 양식에 대한 확신을 지니고 있었고, 새로운 영향들을 기꺼이 흡수하고 인정했다. 스페인 음악, 춤 리듬, 림스키코르사코프와 무소륵스키 같은 러시아 거장들은 평생 영감의 원천이었다. 그의 후기 작품들은 미국 재즈의 영향을 즐겁게 드러낸다.

그는 모차르트를 누구보다 존경했다. 엄청난 작품 수뿐 아니라 고전적 대칭성과 놀라움의 요소를 균형 있게 결합했기 때문이다. 그는 학생들에게 모차르트에게서 영감을 얻으라고 권했지만, 드뷔시, 바르톡, 푸치니, 쇤베르크를 비롯한 동시대 작곡가들의 중요성도 곧바로 알아보았다. 그는 베토벤식 주제 발전 모델을 거부했고, 프랑스 음악에 대한 바그너의 영향을 “해롭다”고 불렀다.

다른 많은 위대한 예술가들처럼 그는 자신의 매체 밖에서 지침을 구했다. 북미 순회 중 라벨은 뉴욕 타임스에 자신의 “작곡의 가장 위대한 스승은 에드거 앨런 포였다”고 말했다. 그는 포가 예술은 감정과 지성의 극단 사이에서 “균형을 이루어야 한다는 것을 증명했다”고 덧붙였다.

동급의 다른 작곡가들과 비교하면 라벨은 비교적 적은 작품을 썼다. 모차르트는 알려진 작품만 600곡 이상을 완성했고, 베토벤은 작품 번호가 있는 곡만 130곡 이상을 남겼으며, 슈베르트는 가곡만 600곡을 썼다. 라벨은 겨우 85곡가량을 작곡했다. 이 중 일부는 버려지거나 미완성으로 남았고, 거의 절반은 초기 작품의 관현악 편곡이었다. 자신의 예술에 대해 엄격한 비전을 지닌 완벽주의자였던 라벨은 종종 몇 달 동안 작품을 다듬었다. 그는 피아노 협주곡 G장조의 2악장에 대해 이렇게 썼다. “그 흐르는 악구라니! 마디마다 얼마나 공을 들였는지! 거의 죽을 뻔했다!”

관현악 편곡가 라벨

이 완벽주의는 라벨의 작은 작품 목록과 그토록 많은 작품이 편곡으로 이루어진 이유를 모두 설명한다. 실제로 스페인 랩소디 [1:03:30]와 두 피아노 협주곡처럼 교향악단을 위한 연주회 작품으로 처음부터 구상된 곡은 그의 작품 중 극소수에 불과하다. 라벨은 한 작품에 만족하면 그로부터 가능한 한 많은 창조적 결실을 끌어내려 했다. 어미 거위, 죽은 왕녀를 위한 파반느, “바다 위의 작은 배”처럼 그의 가장 아름다운 관현악 작품들 중 일부는 친밀한 피아노곡으로 태어났다. “광대의 아침 노래” 같은 곡은 관현악 발레로 확장했다.

오늘날까지 라벨의 특징 중 하나는 타고난 관현악법의 재능이다. 한 당대 비평가는 “그는 스트라빈스키와 더불어 트롬본 한 음의 무게, 첼로의 배음, 혹은 한 관현악 그룹과 다른 그룹의 관계 속에서 pp 탐탐의 효과를 가장 잘 아는 이 세상 유일한 사람”이라고 썼다. 라벨의 기법에 핵심적인 영향을 미친 것은 림스키코르사코프의 악보(셰에라자드, 스페인 기상곡 등)와 리하르트 슈트라우스(돈 후안, 틸 오일렌슈피겔), 림스키코르사코프·베를리오즈·비도르의 관현악법 논문, 그리고 “교향시”라는 명칭으로 연주된 최초의 관현악 작품인 전주곡 [50:00] 같은 작품에서 나타나는 리스트의 “눈부신 관현악법”이었다. 드뷔시의 녹턴에서 영감을 받은 라벨은 1912년 발레 다프니스와 클로에의 악보에 무반주 합창을 포함했다.

친구와 함께 피아노 앞에 앉아 라벨은 한 선율을 더듬어 연주하며 물었다. “이 주제에 집요한 성격이 있다고 생각하지 않나? 어떤 발전도 없이 여러 번 반복하면서, 가능한 한 점차 관현악단을 늘려가 볼 생각이야.” 그 단순한 악구는 그의 가장 유명한 관현악 작품이자 1928년의 걸작인 볼레로의 주제가 되었다. 17분 길이의 이 작품은 오직 하나의 매우 길고 점진적인 크레센도로 이루어져 있다. 작은북이 오스티나토 리듬을 160회 이상 반복하는 동안, 라벨은 자신의 “집요한” 선율을 다양한 악기 편성으로 되풀이한다. 음악은 서서히 음량을 키우다가 떠들썩한 절정 속에서 무너져 내린다.

초연 이래 볼레로는 실황 공연, 음반, 영화·텔레비전·광고 사용을 통해 1억 달러의 저작권료를 벌어들인 것으로 추산된다. 작품이 2016년 퍼블릭 도메인에 들어간 뒤에도 여러 당사자가 그 수익의 일부에 대한 권리를 주장했다. 2024년 프랑스 법원은 발레 뤼스의 무대미술가 알렉상드르 베누아의 상속인들이 베누아가 작품의 공동 저자이므로 수익을 나눠 받을 자격이 있다고 제기한 청구를 기각했다. 소송이 기각됨에 따라 이 작품은 퍼블릭 도메인에 그대로 남게 되었다.

라벨은 드뷔시, 에릭 사티, 림스키코르사코프, 로베르트 슈만 등 다른 작곡가들의 작품도 편곡했다. 이 가운데 가장 유명한 것은 의심할 여지 없이 무소륵스키의 피아노 모음곡 전람회의 그림을 위해 1922년에 만든 라벨의 황홀한 관현악 편곡이다. 초연 이후 이 작품은 원곡을 인기 면에서 앞질렀다.

피아노 앞의 라벨

관현악 작곡가로 명성이 높았지만, 라벨은 무엇보다 피아노를 우선시했다. 어릴 때부터 피아니스트였던 그는 건반 앞에서 작곡했으며, 물의 유희에서 조성과 이중조성의 융합부터 피아노 협주곡 G장조의 재즈적 색채에 이르기까지 그의 양식에서 나타난 신선한 경향 대부분은 이곳에서 태어났다.

거울

라벨은 1905년의 5악장 피아노 모음곡 거울이 “나의 화성적 발전에 상당히 큰 변화를 표시했다”고 썼다. 이 작품은 아파슈 협회의 구성원들에게 헌정되어 있다. 이중조성, 충돌하는 리듬, 잦은 박자 변화는 첫 곡 “밤나방”에서 나방들의 변덕스러운 비행을 묘사한다. 물의 유희처럼 “바다 위의 작은 배”는 물의 움직임을 불러낸다. 비녜스에게 헌정된 “광대의 아침 노래”는 스페인 기타와 캐스터네츠 소리를 모방하여 쟁글거린다.

라벨의 연주와 악명 높은 밤의 가스파르

그의 경력 내내 피아노 연주에 대한 평가는 엇갈렸다. 한 평론가는 “작곡가가 연주를 못 한다는 것은 전통이며, 라벨이 그 전통을 존중하지 않는다고 불평할 사람은 없다”고 빈정거렸다. 친구들은 그의 크고 “교살자 같은 엄지손가락”을 두고 농담했다. 그러한 한계에도 그는 악마적으로 어려운 밤의 가스파르를 비롯해 피아노 레퍼토리 중 가장 기교적인 음악을 작곡했다. 이 3악장 작품의 첫 곡 “온딘”은 6분 남짓한 시간에 1만 개가 넘는 음을 담고 있다. 위압적인 마지막 곡 “스카르보”는 피아노의 88개 건반을 모두 사용한다.

후기 피아노 협주곡들

경력 말기에 이르러 라벨은 마침내 협주곡에 도전했다. 피아노 협주곡 G장조는 라벨이 고대와 현대를 종합한 방식을 완벽히 보여준다. 전통적인 3악장 협주곡 구조를 따르면서 라벨은 특히 느린 2악장에서 모차르트와 카미유 생상스를 본보기로 삼았다. 생기 넘치는 양 끝 악장은 재즈와 바스크 민요의 영향을 반영한다.

동시에 라벨은 또 다른 피아노 협주곡을 쓰라는 의뢰를 받았다. 의뢰자인 파울 비트겐슈타인은 제1차 세계대전에서 오른팔을 잃은 피아니스트였다. 작곡에 착수하기 전 라벨은 쇼팽과 생상스의 작품을 포함하여 왼손을 위한 여러 연습곡을 연구했다. 쌍둥이 작품처럼 왼손을 위한 피아노 협주곡에도 미국 재즈의 영향이 담겨 있다.

라벨의 실내악

라벨은 일곱 곡의 실내악 작품을 출판했다. 그중 가장 이른 작품인 현악 사중주는 그가 파리 음악원을 최종적으로 떠난 직후 몇 년 사이에 작곡되었다. 라벨은 이 작품의 모델로 드뷔시의 현악 사중주를 삼았다. 이 곡은 가믈란에서 영감을 받은 뜯는 현악기로 시작하는 경쾌한 2악장으로 가장 유명하다. 이 무렵 플레옐 사는 새로 개발한 반음계 하프를 선보일 작품을 드뷔시에게 의뢰했다. 경쟁 하프 제작사인 에라르는 라벨에게 의뢰했고, 그는 하프, 플루트, 클라리넷과 현악 사중주를 위한 짧은 서주와 알레그로를 작곡했다.

1920년대에 라벨은 헝가리 바이올리니스트 젤리 다라니를 위해 기교적인 치간을 작곡했다. 이 광시곡적 작품은 리스트와 헝가리 민속음악 모두에서 영감을 받았다. 초연 직후 라벨은 이 곡을 관현악으로 편곡하기 시작했다. 1920년대 후반의 여러 작품과 마찬가지로 라벨의 마지막 실내악 작품인 바이올린 소나타는 아프리카계 미국인 음악의 영향을 받았다. 그 가운데 악장인 “블루스”는 라벨이 시카고에서 이 작품을 연주했을 때 큰 성공을 거두었다.

라벨의 성악 음악

개별 가곡, 소규모 가곡 모음곡, 두 편의 단막 오페라(스페인 시간과 어린이와 마법)로 이루어진 라벨의 성악 음악은 간결한 음악 구조를 선호하는 그의 성향을 잘 보여준다. 소프라노와 관현악을 위한 세 곡의 연가곡 셰에라자드에서 라벨은 아파슈 협회의 동료였던 트리스탕 클링조르의 이국적인 시에 눈을 돌렸다. 기악 작품에서와 마찬가지로 그리스 민요에 의한 다섯 개의 선율과 두 개의 히브리 선율을 비롯한 수많은 가곡에는 민속음악의 영향이 흐른다.

라벨은 모더니스트였는가, 인상주의자였는가?

“인상주의”는 처음부터 논쟁적인 용어였다. 모네가 1872년 자신의 그림 인상, 해돋이를 발표한 직후, 비평가들은 “인상주의”라는 말을 경멸적인 뜻으로 사용하기 시작했다. 이들은 곧 이 용어를 동시대 작곡가들, 특히 이를 거부한 드뷔시와 라벨에게 적용했다. 그러나 물의 유희 같은 작품에는 인상주의적이라고 부를 수 있는 양식적 요소가 들어 있다. 라벨은 확장되고 모호한 화성, 반짝이는 음색, 이중조성을 사용했다. 물의 유희를 연주할 때 피아니스트 리카르도 비녜스는 높은 음역에서 페달을 풍부하게 사용하여 “공기 중 진동의 흐릿한 인상”을 끌어냈다. 동시에 라벨의 음악은 순수 인상주의를 피하는 방식으로 선율의 직접성을 유지한다. 라벨을 어느 정도까지 “인상주의자”라 부를 수 있는지는 여전히 열린 문제다. 확실해 보이는 것은 라벨이 중세 교회 선법과 바로크 무곡부터 인상주의 화성과 재즈에 이르는 옛 형식과 선율을 재즈 같은 동시대적 영향과 결합함으로써, 뚜렷이 현대적인 음악적 목소리를 창조했다는 점이다.

20세기에 미친 라벨의 영향

라벨은 베토벤이나 바그너 같은 선배 작곡가들과 같은 영향력을 행사하지는 않았을지 모르지만, 그의 삶과 음악은 동시대인과 후대에 영향을 미쳤다. 라벨은 그들이 그를 구식으로 여길 때조차, 불경스러운 젊은 작곡가 집단 레 식스를 비롯한 다음 세대 프랑스 작곡가들을 격려했다. 그는 주류 비평가들이 쇤베르크와 바르톡 같은 작곡가들의 논쟁적인 신작을 폄하할 때 그 중요성을 알아본 선견지명이 있는 인물이었다.

물의 유희와 밤의 가스파르 같은 작품에서 나타나는 독특한 피아노 기법의 확장, 관현악법의 혁신, 바그너 트리스탄과 이졸데의 유명한 첫 마디에서 파생된 급진적 화성 접근법은 유럽과 미국 전역의 작곡가들에게 영향을 미쳤다. 라벨의 제자 중 한 명인 랠프 본 윌리엄스를 통해, 동료 영국 작곡가 구스타브 홀스트는 그의 음악을 알게 되었으며, 라벨을 하이든에 필적하는 “순수성의 본보기”라고 불렀다.

비녜스는 라벨에 대해 이렇게 썼다. “더욱이 그는 매우 복잡한 사람으로, 그 안에는 중세 가톨릭주의와 사탄적인 불경함이 혼합되어 있다….” 이러한 대조는 라벨이 지속적으로 사랑받는 핵심에 놓여 있다. 그는 다양한 음악적 색채와 감정으로 그림을 그렸고, 한 작품에서는 죽은 이를 기리며 다른 작품에서는 요정의 정원으로 여행을 떠났다. 중세 교회 선법과 바로크 무곡에서 인상주의 화성과 재즈에 이르는 고대와 현대의 정밀한 융합으로, 라벨은 언제나 더 많은 비밀을 드러낼 듯한 오래된 친구처럼 친숙하면서도 신비로운 음악적 풍경을 창조했다.